L’Atelier des Arts Plastiques

Crayon graphite

2012-02-14T06:05:00.001-08:00

Le degré de dureté des mines de crayons est défini par l'échelle suivante :

9H 8H 7H 6H 5H 4H 3H 2H H F HB B 2B 3B 4B 5B 6B 7B 8B 9B
Dure → Moyenne → Tendre

H (hard) : dure (ou sèche);
B (black) : tendre (ou grasse) ;
HB (hard black) : moyenne ;
F (fine point) : fine. Il s'agit du milieu de l'échelle, HB étant un peu plus tendre.

Le crayon moderne a été mis au point indépendamment par l'inventeur autrichien Joseph Hardtmuth en 1792 (l'Allemagne disposait de gisements de graphite de qualité très inférieure) et par le chimiste français Nicolas-Jacques Conté en 1795 pour remplacer le graphite pur (la plombagine) dont l'importation d'Angleterre était interdite par le blocus.

Domínikos Theotokópoulos dit El Greco

2012-02-08T03:48:00.000-08:00

Né en Crète en 1541-mort en 1612 à Tolède. El Greco est un peintre, sculpteur et architecte grec de l’École espagnole du xvie siècle.
Son œuvre picturale synthèse du maniérisme renaissant et d'art byzantin est caractérisé par des formes allongées et des couleurs vives. S'il fut célébré de son vivant, il a été oublié pendant plus d'un siècle. Redécouvert au milieu du XIXe siècle par les romantiques français en particulier, sa peinture extravagante a suscité des commentaires innombrables souvent en contradiction avec les faits historiques avérés. Sa singularité a influencé de nombreux artistes au XXe siècle, entre autres Picasso, Jackson Pollock qui se sont directement inspirés de lui.

El Greco cherche à communiquer l'essentiel ou la signification essentielle du sujet à travers un processus de caractérisation et de simplification. À Tolède, il s'accomplit en abandonnant la solennité de la Renaissance et l'observation de la nature. Au contraire, il se conforme au maniérisme du xvie siècle et au style byzantin dans lesquels les images sont conçues dans l'esprit. L'espace est perçu dans l'imagination, la lumière est incandescente, rétive et irréelle, les couleurs sont pures, lumineuses et surnaturelles, les figures sont allongées, énergiques et dématérialisées. Toutes paraissent illuminées et dynamisées par l'intervention spirituelle de la grâce divine pour suggérer la puissance de l'âme.
Ses créations se développent d’une manière personnelle : un réalisme simplifié, une éloquence qui confine à l’expressionnisme, la géométrisation des modèles, un espace presque abstrait, des contrastes puissants de lumière et de couleurs avec une gamme plus froide que celle de la période italienne : oppositions de verts et de bleus et, bien sûr, l’emploi du gris dont il est le premier à voir les possibilités infinies. Tout cela a une grande influence sur l’école espagnole.

Mort du peintre et sculpteur catalan Antoni Tapies

2012-02-07T00:29:00.000-08:00

Le peintre et sculpteur catalan (1923-2012) Antoni Tapies, un des plus grands noms de l’art contemporain européen, est décédé lundi à Barcelone à l’âge de 88 ans, a annoncé sa fondation.

D’abord rapportée par des médias puis par des sources de la municipalité de Barcelone, sa ville natale, la mort de Tapies a été confirmée par la fondation qu’il avait créée. «Nous confirmons que l’artiste Antoni Tapies est décédé», a déclaré la Fondation Antoni Tapies dans un mail envoyé à l’AFP.

Les médias espagnols ont précisé que Tapies était malade depuis quelque temps.

À travers de son œuvre, Tàpies montre un intérêt particulier pour les lacérations, les entailles et les griffures au sein de ses compositions. Il qualifie ses œuvres de « champs de batailles où les blessures se multiplient à l'infini. »
Les éléments graphiques et plastiques dont il fait usage se retrouvent de toile en toile formant ainsi un univers qui lui est propre. Il travaille la matière à l'aide de « matériaux pauvres » et se sert de la technique du collage, de l'empâtement, du grattage et de la déchirure. C'est en mélangeant la colle et le colorant, associés parfois à du sable, de la poussière, de la terre, que Tàpies trouve son médium, la matière par laquelle il va exprimer la profondeur, les formes, l'ombre, la lumière, en travaillant à l'aide d'outils mais également avec son corps. La croix, prenant des formes variées, les taches, les graffitis, les formes rectangulaires (qui s'apparentent à des espaces fermés, des murs, des volets clos) sont des éléments récurrents de son vocabulaire plastique. Par les matériaux utilisés ainsi que les formes qu'il crée, Tapiès nous fait découvrir un nouveau monde, des nouveaux paysages.

On ne peut pas vraiment parler de couleur mais plutôt d'un ensemble de valeurs qui se côtoient et s'assemblent. Il utilise essentiellement le noir et le blanc, la gamme des bistres, et fait usage de notes colorées ponctuelles, qui créent ainsi des dynamiques fortes dans ses compositions.
Ses œuvres sont d'un caractère provocateur proche du dadaïsme, anti-esthétique, pauvre, rappelant parfois les graffitis et les tas de déchets.

Giuseppe Arcimboldo - Les saisons

2012-01-29T15:28:00.000-08:00

Peintre maniériste italien, Giuseppe Arcimboldo* est né en 1527 et mort en 1593.

Les Saisons

Il s’agit d'une série de quatre tableaux peints par Arcimboldo en 1563 et offerts à Maximilien II en 1569, accompagnés des Quatre Éléments (peints en 1566). Y est joint un poème de Giovanni Battista Fonteo (1546-1580) qui en explicite le sens allégorique.
Chaque tableau est constitué d’un portrait de profil, composé d’éléments rappelant la saison. L’Hiver regarde ainsi Le Printemps et L’Été, L’Automne.
De la version originale, ne subsistent que l’Hiver et L’Été, exposés à Vienne. Parmi les versions les plus connues il y a celles du musée du Louvre, copies faite par le peintre à la demande de Maximilien II pour en faire cadeau à Auguste de Saxe. Les tableaux se caractérisent par un encadré floral qui n’existait pas sur la première version.

*Le maniérisme est une réaction à la perfection atteinte durant la Haute Renaissance dans la représentation du corps humain et dans la maîtrise de l'art de la perspective (théorie d'Alberti). À ce titre, on a souvent qualifié le maniérisme comme « un art anti-albertien », notamment Pisanelli.

Bonne Année artistique!

2012-01-02T00:40:00.000-08:00

Lucian Freud

2011-12-31T16:11:00.000-08:00

Comme le sculpteur Alberto Giacometti, ce dernier grand figuratif du XXe siècle allait au-delà de la chair pour découvrir l’âme de ses modèles. Ses corps sillonnés par des pinceaux rigides se font alors paysages. Il en creuse l’écorce, les laboure, en retourne la chair, comme un paysan le ferait de la terre.
"Je veux que la peinture fonctionne comme la chair (...) Pour moi, le tableau est la personne. Je veux qu'il fonctionne comme la chair", explique-t-il.

Picasso

2011-12-31T01:35:00.000-08:00

"Quand on part d’un portrait et qu’on cherche par des éliminations successives à trouver la forme pure, le volume net et sans accident, on aboutit fatalement à l’œuf. De même, en partant de l’œuf on peut arriver, en suivant le chemin et le but opposés, au portrait. Mais l’art, je crois, échappe à cet acheminement trop simpliste qui consiste à aller d’un extrême à l’autre. Il faut pouvoir s’arrêter à temps."

Pablo Picasso - peintre, dessinateur et sculpteur espagnol - 1881, Malaga - 1973, Mougins

En 1907, Picasso travaille à la composition des Demoiselles d’Avignon, quand est présentée à Paris la grande rétrospective Cézanne.
De 1907 à 1914, il réalise avec Georges Braque des peintures qui seront appelées « cubistes ». Elles sont caractérisées par une recherche sur la géométrie et les formes représentées : tous les objets se retrouvent divisés et réduits en formes géométriques simples, souvent des carrés. Cela signifie en fait qu'un objet n'est pas représenté tel qu'il apparaît visiblement, mais par des codes correspondant à sa réalité connue. Picasso décompose l'image en multiples facettes (ou cubes, d'où le nom de cubisme) et détruit les formes du réel pour plonger dans des figures parfois étranges.

Le 27 avril 1937 un événement tragique vient bouleverser sa carrière : en Espagne, l'aviation allemande, au service des nationalistes franquistes, bombarde la petite ville basque de Guernica. En réaction, Picasso peint l’immense toile qui sera exposée un mois après au pavillon républicain de l’Exposition Internationale de Paris. Cette œuvre, conçue comme « un instrument de guerre », le rapproche du Parti communiste dont il devient membre.

Vergers fleurissants - Van Gogh - 1888

2011-11-15T06:49:00.000-08:00

Vergers fleurissants est une série de peintures réalisées par l'artiste-peintre hollandais Vincent Van Gogh (né le 30 mars 1853 à Groot-Zundert aux Pays-Bas - mort le 29 juillet 1890 à Auvers-sur-Oise en France) entre 1888 et 1890. Le thème de la nature, est plus précisément des vergers en fleurs.

Technique à l’huile : Il applique les couleurs par touches de pinceaux, sans mélanger sur la palette. Les couleurs se fondent à distance dans l'œil du spectateur. Influencé par l'oeuvre des impressionnistes et par celui d'artistes japonais tels Hiroshige et Hokusai, le style de Van Gogh évolua sensiblement à cette époque. Les couleurs s'éclaircirent, les touches de pinceau, qui furent apposées suivant une technique plus étudiée, suivaient souvent la forme de l'objet représenté. Dès 1888, il adopta des teintes franches et brillantes.

Van Gogh détenait pour sa part plus de 400 peintures japonaises. Il projeta sur la toile quantité de cerisiers en fleurs et d’idéogrammes, peignit des ponts japonais semblables à celui que l’auteur des Nymphéas fit construire dans son jardin de Giverny… Le 15 juillet 1888, depuis Arles, il écrit à son frère Théo : “ Tout mon travail est un peu basé sur la japonaiserie… ”.

Le terme « Japonisme » désigne les courants artistiques de la fin du XIXe, inspiré par les estampes, motifs et objets d’art japonais. L’influence japonaise remarquable au niveau des formats des tableaux utilisés carrés ou rectangulaires en hauteur est surtout notable dans le domaine technique. La ligne, la courbe et l’irrégularité de forme sont misent à l’honneur. La synthèse et l’esthétique décorative priment sur la recherche du détail. La profondeur est niée au profit de l’utilisation d’aplat de couleurs. Le « cloisonnisme » de Gauguin consiste notamment à cerner des aplats, à délimiter par un trait, ce qui rapproche cette technique à la fois de l’estampe japonaise et du vitrail.

Le contact avec la toile-Nicolas De Staël

2011-10-24T03:02:00.000-07:00

«Le contact avec la toile, je le perds à chaque instant et le retrouve et le perds... Il le faut bien parce que je crois à l'accident, je ne peux avancer que d'accident en accident ; dès que je sens une logique trop logique, cela m'énerve...» : ces propos ne ressemblent pas à ceux d'un théoricien de la peinture mais à ceux d'un homme animé d'une ferveur "amoureuse" et qui défend cette passion à ras bord, jusqu'au premier et dernier râle, respirant et suffocant, aspirant et expirant. Cette passion barbare et tendre, fougueuse et solaire, secrète et ostentatoire lui fait dire : «Ce que j'essaie, c'est un renouvellement continu (...).
Ma peinture, je sais ce qu'elle est sous ses apparences, sa violence, ses perpétuels jeux de forces ; c'est une chose fragile dans le sens du bon, du sublime. C'est fragile comme l'amour.»
Cette passion l'a conduit jusqu'aux rives les plus vives, où l'on se consume en s'amplifiant, jetant des rectangles blancs pour faire taire ce brasier à la fenêtre de sa vie... Cette passion lui ouvrait les yeux. Des yeux qui lui mangeaient le visage. Il était devenu le rivage de sa passion, l'amant et le rival, seul à pouvoir la saisir à bras-le-corps, se battant avec ses mystères, lui arrachant parfois de sombres et douloureuses émotions qu'il jetait comme des morceaux de chair sur la toile vierge, dans l'incertitude du juste geste, qui d'abord se fait pudique puis empoigne en quelques tons.

Exposition de peintures de Raynald Letertre

2011-10-16T13:30:00.001-07:00

La chute fondatrice: "La terre à découvert"

Du 21 novembre au 2 décembre
Horaires: 9H/18H
Maison de la Gibauderie
Expositions & Arts : Centre d'animations
111, Rue de la Gibauderie 86000 Poitiers
Tel : 05 49 47 83 57

La joconde

2011-10-15T13:21:00.000-07:00

La Joconde, ou Portrait de Mona Lisa, est un tableau de Léonard de Vinci, réalisé entre 1503 et 1506. Le format est de 77 cm × 53 cm.

La Joconde est le portrait d'une jeune femme, sur fond d'un paysage montagneux aux horizons lointains et brumeux.
La femme porte une robe et, sur la tête un voile noir transparent. On remarque que totalement épilée, conformément à la mode de l'époque, elle ne présente ni cils, ni sourcils. Elle est assise sur un fauteuil dont on aperçoit le dossier à droite du tableau. Ses mains sont croisées, posées sur un bras du fauteuil. Elle se trouve probablement dans une loggia : on peut voir un parapet juste derrière elle au premier tiers du tableau, ainsi que l'amorce de la base renflée d'une colonne sur la gauche. À l'arrière plan se trouve un paysage montagneux dans lequel se détachent un chemin sinueux et une rivière qu'enjambe un pont de pierre. On peut remarquer une cassure de la ligne d'horizon. La tête de La Joconde sépare le tableau en deux parties dans lesquelles l'horizon ne se trouve pas au même niveau.
La source de lumière provient essentiellement de la gauche du tableau.

Collage de Isabelle Cochereau

2011-10-10T13:52:00.000-07:00

http://www.isabellecochereau.fr/

Infos personnelles de l'Animateur Raynald Letertre

2011-09-30T01:44:00.000-07:00

Venez voir un nouveau lieu à Poitiers dans un quartier sympa ainsi que les peintures de Raynald Letertre jusqu'au 17 octobre.

Du même auteur, à découvrir une installation à TROIS PAR 3 - Cordeliers (vitrine extérieure) - 4 rue Henri Oudin à POITIERS

Jardins de Formosa atelier galerie
16 rue des trois rois 86000 Poitiers
Tél: 09 51 41 48 30 / 06 89 55 18 77

Toute la semaine et toute l'année, dans une salle annexe:

1- Cours d’Arts Plastiques (Dessin-Peinture-Collage) Enfants/Adultes Raynald Letertre
2- Cours de Chinois (mandarin traditionnel) Enfants/Adultes Hung Ju Chao

Trois événements à retenir!

2011-09-04T00:39:00.000-07:00

1- Vernissage à L'office de tourisme des travaux d'élèves le samedi 10 septembre à 12H

2- Forum des associations à Jaunay-Clan le dimanche 11 septembre de 10h à 18h au Complexe sportif du bourg. Entrée Libre

3- La rentrée est prévue le mardi 13 septembre 2011 de 17H30 à 20H30

Le calendrier scolaire

2011-08-29T02:40:00.001-07:00

« Je peins une tête comme une porte, comme n’importe quoi »

2011-08-27T13:48:00.000-07:00

N'est peinture que ce qui est illusion. La réalité de la peinture, c'est la toile. Mais une peinture ne peut représenter que ce qu'elle n'est pas, c'est à dire l'illusion d'autre chose.
Qu'est ce que la ressemblance chez un peintre réaliste? On imagine un certain genre de réalisme qui représente la réalité extérieure, de la manière la plus conventionnelle. Un tableau de Bouguereau (1825–1905) correspond à un idéal de réalité. C'est ce qui prolonge ou fixe les sensations que l'Homme aime le mieux dans la vie. Pour une catégorie de spectateurs, c'est le sujet qui prime.
Pour d'autres, c'est de découvrir quelque chose de commencé.
Que j'avance en échouant ou que j'avance en gagnant un petit peu, j'aurai toujours gagné. Personnellement, je suis à zéro.
Cézanne disait: "je pars neutre", faisant abstraction de toute idée préconçue. Cézanne a fait sauter une espèce de bombe dans la représentation du monde extérieur. En peignant l’oreille gauche, en établissant plus de rapports entre l’oreille gauche et le fond qu’avec l’oreille droite, plus de rapports entre la couleur des cheveux et la couleur du chandail qu’avec la structure du crâne...

Le Monologue du peintre, Georges Charbonnier
Interview de Alberto Giacometti (1901-1966)

Exposition de peintures à Poitiers de Raynald Letertre

2011-08-22T15:25:00.000-07:00

Qui jamais eût pensé qu'un homme pût voyager dans les airs ? Dédale cependant se fabrique des ailes avec des plumes artistement disposées... le jeune Icare maniait, joyeux, et les plumes et la cire, sans se douter que cet appareil dût armer ses épaules pour la fuite. "Voilà, lui dit son père, le navire qui nous ramènera dans notre patrie; c'est par lui que nous échapperons à Minos. Si Minos nous a fermé tous les chemins, il n'a pu nous interdire celui de l'air... Mesure ton vol sur le mien... Car si, dans notre course aérienne, nous nous élevions trop près du soleil, la cire de nos ailes n'en pourrait supporter la chaleur; si, par un vol trop humble, nous descendions trop près de la mer, nos ailes imprégnées de l'humidité des eaux perdraient leur mobilité. Vole entre ces deux écueils... Avant de prendre son vol, il donne à son jeune fils un baiser, et ses yeux ne peuvent retenir ses larmes paternelles. (extrait) L’Art d’aimer (Ovide)/Livre II

"Il faut commencer par le plus sombre, chercher « le vide, et le noir, et le nu », et dégager progressivement la lumière. Car la nuit est première." André Comte Sponville-"Traité du Désespoir et de la Béatitude "

travaux des élèves (adultes)-2ème série

2011-08-17T13:28:00.001-07:00

travaux des élèves (adultes)-1ère série

2011-08-17T13:16:00.000-07:00

Vernissage le 10 septembre à l'office de tourisme de Jaunay-Clan

2011-08-16T15:11:00.001-07:00

Vernissage le 10 septembre à l'office de tourisme de Jaunay-Clan à 12H pour le pot de la créativité!

Exposition à l'office de tourisme de Jaunay-Clan

2011-08-16T14:35:00.001-07:00

Le travail des élèves Enfants et Adultes sera exposé à l'office de Tourisme de Jaunay-Clan pendant deux mois: Un grand Merci à Maria, Marie Annick, Andrée, Danielle, Arlette, Marielle, Chloé, Noa, Solange, Jade, Maxence, Amanda, Amel, ... pour leur bonne humeur!
Merci également à Stéphanie de l'office de tourisme de nous avoir sollicité pour exposer.

Marc Desgrandchamps du 13 mai au 4 septembre 2011 au MAM

2011-08-16T14:25:00.000-07:00

Marc Desgrandchamps - Le Dernier Rivage par CSainte-Anne

Marc Desgrandchamps, né en 1960 à Sallanches, est un peintre et graveur français . Peintre de la transparence, de l'évanescence, des « fantômes liquides »
Desgrandchamps peint des figures laissant voir à travers elles que le minéral, les arbres, les autres, les objets continuent à exister. Sa peinture faite de jus très liquides crée des coulures, qu'il dit ne plus voir, mais qui participent à l'impression d'un monde à la fois très vivant et au bord de la disparition.
Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris consacre une exposition monographique à Marc Desgrandchamps, peintre majeur de la scène contemporaine française. Composée d’une quarantaine de peintures de grand format et d’une importante sélection d’œuvres sur papier (gouaches, dessins, collages, lavis et lithographies), l’exposition retrace le parcours de l’artiste depuis 1987 jusqu’aux œuvres les plus récentes.
http://mam.paris.fr/fr/expositions/marc-desgrandchamps

travaux des élèves (6-11 ans)-4ème série

2011-08-08T16:13:00.001-07:00

travaux des élèves (6-11 ans)-3ème série

2011-08-08T16:10:00.001-07:00

travaux des élèves (6-11 ans)-2ème série

2011-08-08T16:06:00.001-07:00

travaux des élèves (6-11 ans)

2011-08-08T15:57:00.000-07:00

Décès de Roman Opalka

2011-08-06T15:58:00.000-07:00

"Il faut se sacrifier pour une oeuvre pareille"

Roman Opałka, né en 1931, mort le 6 août 2011 à Rome1, fut un peintre.
Depuis 1965, il peint des lignes de nombre en ordre croissant sur des toiles, les « détails », afin d'inscrire une trace d'un temps irréversible.
En 1965, à Varsovie, Roman Opalka attend son épouse dans un café. Celle-ci tarde à arriver. Ce temps mort lui donne la solution à son travail en gestation : il a l'idée de matérialiser la peinture du temps.

À partir de 1965 donc, il peint, toujours sur le format 1960 x 1350, en blanc sur fond noir, les nombres qui se succèdent sans relâche et sans fin.
Arrivé au nombre "1 000 000", il décide de faire évoluer son travail. Dès lors, à chaque nouvelle toile entamée, il ajoute 1 % de blanc dans la peinture servant au fond de sa toile, initialement noir à 100 %. Petit à petit, les fonds blanchissent, marquant d'une nouvelle manière le temps qui passe. Toutefois, afin de ne pouvoir être accusé de "fraude", Roman Opałka veille à utiliser deux blancs différents, un pour ses nombres (blanc de titane) et un pour le blanchissement progressif de son fond (blanc de zinc). Aussi, même sur ses toiles les plus récentes (donc les plus blanches), on peut encore distinguer le tracé des nombres en regardant la toile sous un certain angle.
En outre, Roman Opałka a entrepris une autre démarche. Depuis, à chaque fois qu'il terminait une toile, il se mettait dos à sa toile, et se prenait alors en photo. Dans sa tenue de travail blanche, avec ses cheveux qui viennent également à blanchir, il vient petit à petit se fondre dans sa toile, y disparaître. C'est encore là un moyen d'exprimer le temps qui passe.

Cours d'Arts Plastiques en septembre

2011-07-27T04:22:00.000-07:00

Edwin Parker (Cy) Twombly Jr

2011-07-22T05:07:00.004-07:00

Un frémissement de l’être
Edwin Parker (Cy) Twombly Jr. (1928 à Lexington - 2011 à Rome) est un peintre, dessinateur, sculpteur et photographe américain.

Son œuvre croise les enjeux majeurs de l'art au xxème siècle : le dilemme abstraction/figuration, l'intervention de la psychanalyse, le primitivisme, le rôle de l'écriture en peinture, l'hommage aux anciens (il choisit souvent ses thèmes dans l'Antiquité ou dans la littérature ancienne), les liens artistiques entre Europe et Amérique.

Nombre de ses toiles sont des surfaces blanches recevant toutes sortes de traces : chiffres, croix, schémas géométriques, barbouillages réalisés au doigt, griffonnages en hachures ou en boucles, écoulements sanglants ou scatologiques et enfin quelques mots (noms de dieux ou de héros antiques, vers de poètes célèbres, etc.). La peinture à l'huile reprend les teintes des humeurs corporels (du blanc-crème au brun en passant par tous les dégradés de rose et de rouge) et se mêle aux crayons de papier et crayons de couleur de l'enfance. L'écriture est heurtée, les lettres capitales se mélangent aux minuscules, les mots les plus simples sont raturés. L'œuvre achevée, l'essentiel de la surface de la toile reste vierge. Se joue donc ici la rencontre entre une forme de primitivisme enfantin, les tréfonds de la psychanalyse et la culture classique.

Les motifs feignent la maladresse ; la gravité, associée à la texture du support et à la viscosité de la peinture, déstructure les formes et engendre les trainées aléatoires.
Twombly prouve ses qualités de coloriste. Un thème nouveau est venu accompagner cette entrée dans la couleur : les fleurs. Sur des toiles ou des planches de plusieurs mètres de long, Twombly peint des roses ou des pivoines hors d'échelle en de grands mouvements d'enroulement. Reste une constante : le rejet de la maîtrise. Les motifs feignent la maladresse ; la gravité, associée à la texture du support et à la viscosité de la peinture, déstructure les formes et engendre les trainées aléatoires. Une impression de désordre traduisant la multiplicité des émotions, des chocs intérieurs. Puis a la longue, des lignes directrices se dessinent, un certain ordre se remet en place.

Ami de Franz Kline, Robert Motherwell, Robert Milton Ernest Rauschenberg (Robert Rauschenberg) et Jasper Johns.

Lucian Freud

2011-07-22T04:50:00.000-07:00

Documentaire d'Eric Rochant, commenté par Hector Obalk http://www.tudou.com/programs/view/k8n-n8Irwio/

La mort de Lucian Freud, le peintre de la chair
On le présentait comme le peintre vivant le plus cher du monde. Le Britannique Lucian Freud vient de mourir, laissant derrière lui une oeuvre complète de portraits et de nus, auxquels rien n’est épargné : la chair sans fard, la graisse, les rides ou les cernes.
"Je peins les gens pour ce qu’ils sont", disait le petit-fils de Sigmund Freud, père de la psychanalyse.(France info)

Lucian Michael Freud, né le 8 décembre 1922 à Berlin (Allemagne) et mort le 20 juillet 2011 à Londres (Royaume-Uni), est un peintre figuratif britannique.
Lucian Freud est notamment célèbre pour avoir peint, en 2001, le portrait de la reine Élisabeth II à l'occasion de son jubilé, tableau qui a soulevé une polémique en Grande-Bretagne.
Par son style à la fois réaliste, acéré et presque caricatural, Lucian Freud est considéré comme un des peintres figuratifs contemporains les plus importants, et un des plus exemplaires.
Il est le petit-fils du médecin et fondateur de la psychanalyse, Sigmund Freud.

Jean Pierre Pincemin

2011-07-22T04:19:00.000-07:00

Découvrez Rétrospective Jean-Pierre Pincemin au musée des Beaux-Arts sur Culturebox !

Découvrez Expositions et hommages à Jean Pierre Pincemin sur Culturebox !

Jean Pierre Pincemin from Claude Mossessian on Vimeo.

Jean-Pierre Pincemin, né le 7 avril 1944 à Paris et mort le 17 mai 2005 à Arcueil (Val-de-Marne), était un peintre, graveur et sculpteur français.

En 1969, il organise avec Claude Viallat une exposition à l’École spéciale d’Architecture à Paris. Les artistes Louis Cane, Marc Devade, Daniel Dezeuze et Viallat participant à cette exposition sont le noyau du mouvement Supports/Surfaces qu'il rejoint en 1971.
« Le mouvement Supports/Surfaces s'est attaché à énoncer les composants de "la peinture" : la toile, le plus souvent sans châssis, ses dimensions, la couleur et son étendue, le lieu et l'accrochage, pour en finir avec le tableau comme illusion d'un thème ou comme débauche sentimentale des états d'âme de l'artiste. "Peindre" ne signifie jamais "peindre quelque chose" (et surtout pas soi-même). C'est un travail sur la méthode. »

Biennale de Melle-2011

2011-06-28T03:24:00.000-07:00

http://www.biennale-melle.fr/

Le chemin des Ateliers juin 2011

2011-06-18T15:22:00.000-07:00

Marcel Duchamp

2011-06-13T06:24:00.000-07:00

Marcel Duchamp (1887-1968) est un peintre, plasticien, homme de lettres français, naturalisé américain en 1955.
Inventeur des ready-made au début du xxe siècle, sa démarche artistique exerce une influence majeure sur les différents courants de l'art contemporain.

Gérard Garouste

2011-06-13T05:44:00.000-07:00

Gérard Garouste (3) par scopitone86

Gérard Garouste, né le 10 mars 1946 à Paris, est un peintre, illustrateur, décorateur et sculpteur français. Il est devenu, au cours des années 1980, l'un des peintres français les plus importants et internationalement reconnus. Depuis 1979, il vit et travaille à Marcilly-sur-Eure dans l'Eure, où il a fondé une association d'action éducative et sociale d'aide aux enfants par l'art nommée La Source.

A emporter

2011-06-04T11:16:00.001-07:00

Il s'agit d'une collaboration amicale: Dominique et Catherine et moi avons peint une toile de - de 2m à l'acrylique. Il n'y avait pas de thème, juste l'envie d'être ensemble une journée. Plus tard, Catherine nous recevait avec d'autres amis autour d'un repas.
Chaque convive a récupéré un petit bout de toile (env.20x20cm). Il y en avait 64.
Pour moi c'est une belle histoire que ce tableau disséminé en morceaux d'amitié et d'amour pour l'Art dans notre sphère amicale.
http://ultimintime.hautetfort.com/

Gaston Chaissac

2011-05-23T13:37:00.000-07:00

Du 16 mai au 3 juin : Projet « Du côté de Chaissac » - La Maison de la Gibauderie - Poitiers

Dessinateur, peintre, écrivain et poète, Gaston Chaissac (1910-1964) est un transformateur qui n’a cessé de réinventer les mots, de créer des formes et de détourner des matériaux du quotidien. Figure inclassable, autodidacte, affranchie des conventions traditionnelles, l’artiste s’initie à toutes les expressions artistiques. Sa création entière est basée sur l’expérimentation. Toutes les techniques dialoguent, de l’encre de chine à l’huile, en passant par le collage et la peinture sur des objets de récupération.

Journal France 3 12_13 Poitou-Charentes du 17 mai 2011

collage d'enfants

2011-05-23T12:50:00.000-07:00

Thème: découper sur magazine un visage en petit carrés. Recomposer en collant, remplacer 7 carrés par dessin, couleurs- respecter un intervalle régulier entre les carrés.

Merci Chloé pour les photos!

Le chemin des Ateliers 2011

2011-05-23T12:38:00.001-07:00

Les 17, 18 et 19 juin 2011, « le Chemin des Ateliers » se déroulera pour la 7° fois, à Poitiers et dans les environs.
Il s’agit pour les artistes d’ouvrir, le temps d’un week-end, de 15h à 20h, leur atelier aux visiteurs.
Vernissage collectif organisé en amont du week-end, à l'IRTS, 1 rue Guynemer (Pont-Achard), le mercredi 15 juin, à partir de 19h.

Collage de Isabelle Cochereau

2011-04-30T08:44:00.001-07:00

www.isabellecochereau.fr

Trichromate

2011-04-28T14:27:00.001-07:00

Adjectif singulier invariant en genre relatif au fait de prendre en compte les trois couleurs fondamentales dans la vision, contrairement aux daltoniens qui ne prennent en compte que deux couleurs. L'homme est une espèce trichromate, car son œil possède trois sortes de cônes, chaque type de cône ayant une sensibilité différente aux différentes longueurs d'onde qui composent le spectre de la lumière visible.

Le découpage de Matisse

2011-04-26T14:53:00.000-07:00

Le geste de peindre de Matisse

2011-04-26T14:46:00.000-07:00

Matisse et le geste de peindre par supervielle

Le collage

2011-04-19T15:52:00.000-07:00

« Si ce sont les plumes qui font le plumage ce n’est pas la colle qui fait le collage ».

Max Ernst fait de la technique du collage une utilisation singulière qui se différencie des papiers collés cubistes ainsi que des photomontages dadaïstes. Il trompe le regard du spectateur en gommant toute allusion à sa réalisation technique. Le collage naît de la rencontre entre des réalités différentes par libre association.

Max Ernst. Le Rossignol chinois,1920
Photomontage, 12,2 x 8,8 cm

L’extraordinaire, l’inquiétant, l’incongru, l’humour sont les principaux sentiments que provoquent les collages de Max Ernst. Ainsi, dans le minuscule photomontage intitulé Le Rossignol chinois, la photographie d’une bombe aérienne utilisée pendant la guerre, placée au centre de la composition, est tellement remaniée qu’il est presque impossible de l’identifier. Le photomontage a été ensuite photographié et agrandi par Ernst, de manière à effacer les traces de sa fabrication.

Le photomontage

2011-04-19T13:31:00.000-07:00

Marqués par l’Expressionnisme, par le Cubisme et par le Futurisme, les dadaïstes allemands n’en sont pas moins les inventeurs du photomontage. Si les constructivistes russes et les futuristes italiens l’ont déjà expérimenté, les dadaïstes en exploitent toutes les possibilités expressives.
Surnommé le Dadasophe, Raoul Hausmann est l’un des principaux photomonteurs de la capitale allemande. A ses côtés, Hannah Höch, Johan Heartfield, George Grosz donnent des versions singulières et diverses du photomontage, où prime néanmoins la dimension polémique.

Réalisés à partir des découpes de photographies tirées de journaux, combinées aux éléments typographiques de coupures ou de manchettes de presse, les photomontages jouent sur l’effet dynamique de leur composition, où les notions de plan, d’échelle sont constamment remises en cause, et sur l’impact des lettres et des mots disséminés dans l’œuvre comme des slogans, des cris ou des ordres.
A l’enseigne non pas du beau tableau, mais du manifeste plastique, qui se veut polémique et percutant dans une société allemande bourgeoise et militariste que les dadaïstes allemands combattent, ces tableaux, faits entièrement de photos découpées et de lettres, sont de véritables cris.

Raoul Hausmann (1886-1971) se revendique l’inventeur, avec Hannah Höch, du photomontage.
* tableau de Raoul Hausmann, ABCD, 1923-1924 - Encre de Chine, reproduction de photographie et imprimés découpés, collés sur papier, 40,4 x 28,2
Réalisé vers 1923, quand Dada-Berlin n’existe plus, ABCD est le dernier photomontage dadaïste d’Hausmann.
L’image est ici disloquée et sa perception constamment entravée par des ruptures de plans suggérant des sens contradictoires.
De cette image, malgré le mot voce (voix en italien), aucun sens cohérent de lecture ne se dégage. Ce qui est à voir et ce qui est à lire ont la même importance dans ce photomontage où la notion de fond et de profondeur s’abolissent.

Hannah Höch. Da Dandy, 1919 - Photomontage, 30 x 23 cm

Réf: http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-dada/ENS-dada.htm

L'impressionnisme

2011-04-14T07:39:00.000-07:00

« Avant eux, les ombres étaient teintes en brun. L’impressionnisme, lui, les colore ».

Entre 1820 et 1850, la peinture française connaissait de prestigieux mouvements artistiques, avec d'abord la révolution romantique (Géricault, Delacroix), puis la révolution réaliste (Courbet, Millet) et naturaliste des peintres de l'Ecole de Barbizon (Daubigny, Rousseau, Troyon, Corot).
Sous l'influence des paysagistes britanniques Bonington, Constable, Turner (1775-1851), le paysage allait devenir un genre à part entière dans la peinture française, avec Corot.
Courbet, Corot et Delacroix, représentent alors l'avant-garde de la peinture française, et vont constituer les modèles dont tous les impressionnistes vont s'inspirer à leurs débuts.

Les futurs impressionnistes vont grandir dans une France dirigée par le régime autoritaire de Napoléon III, dont la politique culturelle entièrement axée sur la grandeur de l'Empire leur sera hostile.
L'avènement du Second Empire (1852-70) devait marquer une rupture dans l'histoire artistique du XIXème siècle en France, entre d'un côté un art officiel, et de l'autre un art indépendant.
La politique culturelle de l'Empire encense un art académique affadi (le style "pompier") représenté par Meissonnier (1815-1891), Cabanel et Bouguereau, comblés d'honneurs par le régime et à la tête de l'Académie des Beaux-Arts, et dénigre un art réaliste, souvent miséreux, que vont illustrer Courbet, Millet, Daubigny, Rousseau…

Cette politique n'empêchera pas la tardive renommée de Corot (1796-1875) de croître jusqu'à le faire connaître du grand public de son vivant pour ses paysages peints sur le motif. Corot fait figure de précurseur des impressionnistes. Ils chercheront, d'ailleurs, sans succès, à obtenir sa participation à leur 1ère exposition en 1874.
« Une peinture plus rapide et plus contemporaine, correspondant à un monde où le progrès s'accélère ».

Des peintres qui s'appelleront, selon le contexte et les années, "Indépendants", Intransigeants" ou "Groupe des Batignolles" puis "Impressionistes" (vient du tableau Impression soleil levant-Monet-1872. critiqué par Albert Leroy dans le journal Le Charivari).

Ce faisant, les futurs impressionnistes vont introduire nombre de procédés picturaux nouveaux : l'utilisation de tons clairs, la division des tons (un orange par la juxtaposition de deux couleurs pures le rouge et le jaune), l'obtention de la forme et du volume par les touches et les couleurs au lieu du dessin-contour, l'utilisation de l'épaisseur...

La formule de Manet : "Je peins ce que je vois, et non ce qu'il plaît aux autres de voir", résume sa vision personnelle, celle de sa propre subjectivité.
Le "Déjeuner sur l'herbe"de Manet exposé en 1863 au Salon des Refusés, que Napoléon III avait créé pour faire face aux réclamations des peintres rejetés (Bazille-Cézanne-Fantin-Degas-Monet-Renoir-Pissaro-Sisley) par le Salon officiel.
Cette scène galante avec une femme dénudée suscite un vrai scandale. Il choque aussi pour des raisons esthétiques, à cause du style de Manet, qui est la grande référence.
Curieusement, la plupart des futurs impressionnistes obtinrent rapidement une première exposition au Salon, mais se virent par la suite fréquemment refusés. Si Pissarro, et Degas (sans discontinuer de 1865 à 1870), furent les mieux acceptés au Salon, Cézanne, lui, n'obtint, malgré ses protestations, qu'une seule et unique participation au Salon, et ce en 1882 !
Van Gogh en mars 1886 arrivera à Paris où il découvrira et intégrera l'impressionnisme.

A partir de 1865, Emile Zola, camarade de classe de Cézanne à Aix, allait prendre fait et cause pour Manet et la nouvelle peinture dans « l'Evènement », et devenir l'historien du mouvement naissant.
Pissarro est le doyen des impressionnistes. il rencontre Monet en 1859, puis Guillaumin et Cézanne en 1861.
En 1862, Monet se lie aux Beaux-Arts avec Renoir, Bazille et Sisley.
Par l'intermédiaire de Manet, qu'il fréquente dès 1862, Degas fera la connaissance de Monet et Renoir en 1866 au fameux Café Guerbois, lieu de rencontre des peintres du "Groupe des Batignolles". Au centre de leurs préoccupations :

1. Reprendre et développer le Réalisme de Courbet et des peintres de Barbizon en peignant "sur le motif" à la recherche des effets de lumière et de couleurs
2. Peindre et faire entrer dans l'art des thèmes nouveaux de la vie moderne
3. Élaborer un nouveau mode de vision et de représentation picturale permettant de mieux rendre compte du mouvement et du changement permanents de leur époque.

Après la guerre de 1870, et la Commune qui suivit en 1871, les impressionnistes organisent sur une période de 12 ans de 1874 à 1886, leurs propres expositions.
Caillebotte rencontre Degas, Monet et Renoir en 1873, et les aide en 1874 à monter la 1ère exposition (dans le studio du photographe Nadar) des Impressionnistes, avant de devenir co-organisateur et co-financier de la plupart des suivantes. Manet et Corot déclinent l'invitation à participer à cette exposition. Bien que chef de file, Manet préfère la légitimité institutionnelle du salon de l’Académie des beaux-Arts, une élève, Berthe Morisot, exposera en 1874.
Par la suite, les Expositions autogérées vont être détrônées par les galeries d’Art et les marchands de tableaux et expositions individuelles (Signac et Seurat).

REF:http://fr.wikipedia.org/wiki/Impressionnisme

Emissions sur l'Art

2011-04-13T14:24:00.000-07:00

Sortir, écouter, voir- Alice Serrano- France Info
L’actualité artistique et culturelle. A la découverte des nouveaux talents : danseurs, plasticiens, comédiens, metteurs en scène et musiciens - Accès aux archives et écoute facile sur le site.

Les Mardis de l’expo sur France Culture: Un magazine sur l’histoire de l’art vue à travers le regard contemporain,

Hors-champs sur France Culture: Tentative de comprendre ce qui fait évoluer, rêver des personnes du monde artistique, culturel et humanitaire qui sont hors-champs, c'est-à-dire hors promotion culturelle et qui ne sont pas sous les feux et les lumières de l'actualité.

http://dartdart.france2.fr/ : Les plus grandes œuvres d’art, les plus grands artistes, 1 minute 15 de discours plein d’humour, voila le secret de d’Art d’art...

Tout ça fait l'oeuvre d'un homme d’apprentissages et d’expériences…

2011-04-11T14:49:00.000-07:00

"Contre toute attente, ce qui suscite l’imagination n’est pas la liberté mais la contrainte ; formuler des consignes, c’est donner des critères de réussite."

"Car il n’y a de l'humain que s'il y a transmission, appropriation de ce qui est
transmis et donc apprentissage."

"Comme l’explique si bien Vladimir Jankélévitch, « pour commencer, il faut simplement commencer. On n'apprend pas à commencer. Pour commencer, il faut simplement du courage ». Et ce courage, il faut nous demander comment nous pouvons l'acquérir, comment, aussi, nous pouvons le transmettre dans
l’éducation."

Les leçons de l’autodidacte

"... c'est toujours l'autre qui apprend. Je ne peux pas apprendre à nager à la place de quelqu'un. Je peux simplement l'aider à apprendre lui-même à nager."

"Le modèle du bricoleur est le modèle d'un homme beaucoup plus cultivé que le modèle de l'ingénieur, puisque le bricoleur travaille à partir d’éléments déjà existants. Il est beaucoup plus proche d'un homme de culture dans la mesure où il a besoin d'engranger ce qui existe déjà pour créer quelque chose de nouveau. Quelques exemples rapides de grands bricoleurs : quand Picasso récupère une selle et un guidon de vélo et qu'il nous présente un superbe taureau, il bricole."

"...Car apprendre, nul ne peut le faire à notre place… et apprendre des autres est nécessaire parce que nous ne pouvons pas recréer le monde chacun à notre tour : ce qui nous caractérise comme être humain, c'est ce rapport à l'héritage."

"On décide d'une situation et, dans cette situation construite autoritairement, on fait en sorte que l’enfant exerce son intelligence librement… pour qu’il découvre lui-même des savoirs que, pourtant, on avait décidé qu'il devait découvrir et qu'il ne peut pas savoir qu'il doit découvrir, puisque l’éducateur est seul à savoir ce que l’éduqué doit apprendre ! Si ce dernier le savait, c’est qu’il serait déjà éduqué !"

"...créer des conditions qui favorisent, sans, pour autant, se mettre à la place de l'autre pour apprendre, parce que, comme le dit très justement Lacan : “ Si je me mets à la place de l'autre, l'autre, où se mettra-t-il ? ”

Philippe Meirieu: http://www.meirieu.com/index.html

Formats des châssis de toiles et papiers

2011-03-31T01:58:00.000-07:00

Les formats des châssis et toiles en France sont calculés pour:

1- Le format P ou paysage sur "la porte d'harmonie" (http://fr.wikipedia.org/wiki/Règles_de_composition_dans_la_peinture_occidentale)

2- Le format F ou figure (c'est le plus commun. Il est en principe basé sur la juxtaposition de deux Marines, c'est-à-dire sur une multiplication par deux du nombre d'or.)

3- Le format M ou marine sur le "nombre d'or" (http://fr.wikipedia.org/wiki/Nombre_d%27or).

Référence: http://www.artstage.fr/technique/format-chassis-papier.php

Exposition de peintures à Bonneuil-Matours

2011-03-27T01:41:00.000-07:00

vendredi 1 avril, 12:00 - 31 mai, 21:00

Lieu
La Codalie
11 Place du commerce
86210 Bonneuil Matours - Vienne
Tél : 05 49 85 80 00

En savoir plus
LIENS: http://ultimintime.hautetfort.com/
http://www.flickr.com/photos/raynaldletertre/

OUVERT du mercredi midi au samedi soir,
de 12h00 à 14h00 et de 19h00 à 21h00

Yves Bonhomme

2011-03-20T07:24:00.000-07:00

Yves bonhomme par raynaldletertre

Yves Bonhomme est un des fondateurs du Chemin des Ateliers à Poitiers. "J'ai mis en avant son travail de recherche picturale (il me fait penser à un moine-ouvrier) - son humanité (être à sa place, ouvert mais concentré sur sa "mission", son "sacerdoce")- son choix de vie (il ne veut, ne peut faire que cela; là est sa vraie respiration). Je me retrouve bien évidemment dans le personnage que je dessine dans mon reportage-documentaire." Réalisé et monté par Raynald Letertre en 2008. - http://ultimintime.hautetfort.com/

Giorgio Morandi

2011-03-11T03:14:00.000-08:00

Giorgio Morandi (Bologne, 20 juin 1890 - Bologne, 18 juin 1964) est un peintre italien contemporain.
Giorgio Morandi ne peut être clairement identifié à une école de peinture spécifique. L’œuvre de Cézanne représente son influence majeure : il lui emprunte la monumentalité des formes et les zones denses de couleur. L’artiste développe une approche intime de l’art. Guidé par une sensibilité formelle d’un grand raffinement, il donne à ses paysages et à ses natures mortes une subtile délicatesse de ton et de dessin, suscitant chez le spectateur un mode contemplatif.
Les natures mortes sont la partie la plus importante de l'œuvre de Giorgio Morandi. Elles représentent des objets ordonnés avec soin sur une table dans l'atelier, pour être observés et peints. Ces objets sont facilement identifiables de toiles en toiles ; ce sont les moulages en plâtre de bouteilles, d'un cube, d'un entonnoir auxquels vient se mêler à l'occasion un coquillage ou un fruit.
Le positionnement des objets dans le cadre est fait avec un soin particulier porté sur la géométrisation de l'espace ou se lit : carrés, diagonales remarquables. Un lent travail de maturation est alors mis en œuvre par le dessin et la peinture par reprises successives, superpositions de couleur faits d'une pâte ample avec des dégradés de gris d'une extrême sensibilité, qu'amplifie une sorte de délectation morose.

Rabattre une couleur, c'est diminuer sa saturation. Selon les techniques, on le fait en ajoutant de l'eau ou du blanc.
-> on agit sur la saturation de la couleur

Rompre une couleur, c'est la foncer. On peut le faire en ajoutant du noir ou sa couleur complémentaire.
-> on agit sur la valeur de la couleur

recadrage à partir d'une oeuvre

2011-03-06T14:17:00.000-08:00

"Ce n'est pas la main qui fait le tableau, c'est l'oeil." A.Renoir

Rectangle d'or- La division de la surface

2011-02-14T10:28:00.000-08:00

Si le format de la surface respecte les dimensions du rectangle d’or, on peut appliquer les mêmes règles au niveau de la division de cette même surface pour que le ou les points d’intérêt soient situés sur les zones stratégiques.

Il existe quatre lieux privilégiés sur un rectangle. On trouve ces points en divisant longueur et largeur par le nombre d’or: 1,618.

Il y a plus simple et c’est d’ailleurs comme cela que les peintres qui se soucient de cette méthode procèdent: on divise longueur et largeur en huitièmes puis on trouve les points d’or aux 5/8 ièmes.

Lignes de forces-points forts

2011-02-10T03:26:00.001-08:00

Composition (en latin : componere) : mettre ou poser ensemble. Créer un rapport harmonique entre lignes, formes, tonalités, couleurs, perspective et mouvements.

Nous sentons intuitivement que certaines œuvres captivent notre regard plus que d’autres. Il semble s’en dégager un équilibre, une harmonie, qui donnent cette impression que chaque élément est à sa juste place. La première règle élémentaire sera donc de choisir ce qui sera le sujet principal, et d’organiser l’image pour le rendre évident. L'histoire que raconte une image suit souvent notre sens d’écriture. Tout l’art du cadrage consiste à choisir un point de vue tel que les éléments secondaires soient placés pour guider le regard vers ce sujet.

L’Horizon :
Déterminé par la hauteur des yeux, différente si debout, assis. L'horizon est la limite de ce que l'on peut observer, du fait de sa propre position ou situation.
La ligne au milieu est trop statique. Un ligne simple à 1/3 ou 2/3.

Références utilisées: http://jeanc.bouss1.free.fr/dossier_cours/11_composition.html
Wikipedia
La composition de Hajo Düchting Edition Dessain et Tolra

sortir 1/3 de l'objet du cadre...

2011-02-10T03:14:00.000-08:00

Il s'agit de sortir un élément (objet, sujet) du cadre (fenêtre, format, tableau,... ) d'1/3 de sa hauteur ou largeur.

La motivation première est de "dynamiser" le rapport de l'objet avec son contexte (ex: tasse et bord de table ou table) et à la vue du spectateur (L'œil humain peut difficilement apprécier globalement une image. Il est attiré par les contrastes et les couleurs, visages et conditionné à regarder de gauche à droite en "z"), de favoriser la lecture.

Quelques règles:
1-Il est recommandé de ne pas centrer le sujet.
2-faire apparaître les lignes horizontales et verticales qui partagent chaque dimension en trois (appelées « lignes de forces »).
3-Les croisements de ces lignes sont considérés comme des « points forts » (objet principal-centre d'intérêt)

Chambre en 3D

2011-02-08T07:42:00.000-08:00

Travaux des enfants à l'atelier qui ont nécessité au moins 3 séances suite à un dessin en 2D préalable.
Technique: boîte à chaussure-collage papier blanc- revue-pub/peinture-dessin

Picasso, extrait du film de Henrie-Georges Clouzot, "Le mystère Picasso", 1956

2011-01-30T01:02:00.000-08:00

Dessine-toi... un film de Gilles Porte-2010

2011-01-30T00:52:00.000-08:00

Pôle Culturel "la Sabline"-2011

2011-01-28T05:26:00.001-08:00

Lussac les chateaux- (photos prises par le Pôle Culturel "la Sabline")-2011
Peintures de Raynald LETERTRE
Mécénat régional, en partenariat avec la Direction Régionale des Arts et de la Culture (DRAC) et la Fondation EDF.
EDF prête ses oeuvres à la MJC de Lussac les Châteaux qui les exposera du 3 janvier au 7 février 2011

Exposition "sortie de secours"

2011-01-10T09:59:00.000-08:00

Du 17 janvier 2011 à l'ICOMTEC, l'ENSMA et au SP2MI au 18 février 2011

Raynald Letertre (artiste peintre) expose dans le hall de l'Ensma ses toiles de 200x210cm dans le cadre d'une exposition collective proposée par l'association Empreinte.

VERNISSAGE le mardi 25 janvier à 19H30 au SP2MI boulevard Pierre et Marie Curie (à côté de l'Ensma-Téléport 2 du Futuroscope)

Texte du catalogue:
« L’artiste oblige à une perception du monde. Chacun porte un projet de transformation. Chacun doit trouver sa réponse, celle qui convient le mieux ». Raynald Letertre se lance dans l’univers pictural alors âgé seulement d’une vingtaine d’années, c’est alors qu’il s’y cherche et qu’il s’y découvre.
En 1996, sa première toile intitulée « Autofécondation » marque le début d’un long voyage de réflexion sur les questions relatives à la filiation, l’éthique, la bioéthique, en sommes, ce qui véhicule la matière humaine. Influencé par le monde microscopique du vivant cellulaire et les mécanismes de la vie, son travail laisse transparaître une véritable démarche scientifique qui lui confère un caractère et une originalité propres. Sa passion pour la génétique l’a amené à échanger avec des scientifiques de renom tels qu’Axel Kahn ou encore Albert Jacquard.
Ses peintures relatent le corps humain, elles exposent ses fonctionnements intérieurs, et transmettent ainsi des images à la fois authentiques et interprétatives.
Pour notre artiste, « qualifier [son] œuvre revient à parler de figuration biologique, ou d'abstraction scientifique ». Ses tableaux, ni abstraits ni figuratifs, sont pour lui comme « une boîte de Pandore où [il] expérimente tel un scientifique ». Raynald Letertre rythment sa vie par l’énergie qu’il met dans sa peinture, dans une démarche peu commune qu’il propose au public, la couleur est véritablement son réel moteur.
« Comme chacun, je défends mon ordre de passage vers la connaissance, mon épaisseur d’existence, ma dimension d’homme. De l’intérieur. Dans le devoir d’être, chaque fois mieux éclairé ».
Raynald LETERTRE – créateur

Exposition d’Empreinte sur la Technopole du Futuroscope.
envoyé par ICOMTEC-FUTUROSCOPE. - Plus de vidéos campus.

oeil

2011-01-04T14:18:00.000-08:00

Meilleurs voeux 2011

2011-01-03T04:41:00.001-08:00

Tout mes voeux de partage créatif, de moral-énergie et de santé!
Raynald

La peinture est une des entrées de secours de la vie. Elle renvoie à notre humanité dans ce qu’elle contient d’idées et d’espérance.
J’entre en peinture, un pas dans l’inconnu, pour me bâtir un espace de questionnement où lignes, formes et couleurs agencent avec plus ou moins de finesse poétique, une « pensée » voire une « vision » picturale.

Gauguin dit :
« Le grand artiste se définit comme la formule de la plus grande intelligence, c’est-à-dire ce qui implique à la fois la réceptivité, l’art d’interpréter et la faculté de rendre signifiant ».
« Fouiller en soi-même, retrouver une nostalgie qui vous projette à nouveau au dehors, non pour vous soumettre à la nature mais pour l’interroger, pour la rêver ».

« Est ce que l’itinéraire du créateur doit se confondre avec l’itinéraire biographique ? »

L’art a t’il été la seule voie pour me réaliser ?
Gauguin dit :
« La peinture transforme le manque en œuvre, permet de posséder, sous forme symbolique, ce qui échappe ».

L’art comme recours plutôt qu’un secours attendu ou possible. L’art réconforte mais révèle aussi ; il permet alors d’approfondir la question…

Il exige de se subordonner à ce qui apparaît comme une vocation, un salut.
Il est un choix de vie qui intéresse notre identité, ce que nous sommes et ce à quoi nous aspirons. C’est aussi un substitut pour mieux se voir ou… mieux se cacher.

Van Gogh dit :
« On échappe ainsi à soi-même qu’en connaissant sa mission ».

Cercle chromatique

2011-01-03T04:30:00.000-08:00

Johannes Itten a choisi 3 couleurs primaires: le jaune, le bleu et le rouge suivant la tradition d'Aristote et des teinturiers. Il conserve en cela l'interprétation erronée de la décomposition présentée par Isaac Newton. Les premières traces de décomposition RJB apparaissent au xviiie siècle(Traité de la peinture en mignature attribué à Claude Boutet-1708) et perdurent XIXe siècle avec les ouvrages de Johann Wolfgang von Goethe. et de Michel-Eugène Chevreul, puis au xxe siècle avec Charles Blanc avant Johannes Itten.

Les couleurs primaires sont celles qui ne peuvent être composées par le mélange d’aucune autre couleur : ce sont le jaune primaire, le bleu primaire ou cyan et le rouge primaire ou magenta. Mélangées en proportions égales elles deviennent un noir.

Les couleurs secondaires viennent du mélange des primaires. Les couleurs tertiaires sont constituées par le mélange d’une couleur primaire avec sa complémentaire.

Deux couleurs sont complémentaires lorsqu’elles sont diamétralement opposées sur le cercle chromatique ci-dessus, comme le jaune et le violet. De ces duos de couleurs naissent les contrastes le plus élevés. L’ajout d’une complémentaire permet de griser une couleur.

Les couleurs chaudes vont du vert-jaune au rouge. Ces couleurs évoquent la chaleur, suscitent des réaction émotionelles probablement reliées à la reconnaissance inconsciente des tons rouges, orange et or du feu , du soleil et des feuilles de l'automne. Les couleurs chaudes rendent les objets plus grands et plus proches des yeux du spectateur. Elles sont agressives et attirent l'attention.

Les couleurs Froides vont du vert au violet. Ces couleurs sont associées avect les ton bleus et vert de l'eau, du ciel et de la nature. Les couleurs froides donnent l'impression de s'éloigner du spectateur. Elles ont un effet apaisant et peuvent apparaître nettes et vives.

Les couleurs complémentaires sont celles qui sont diamétralement opposées sur le cercle chromatique. Ces couleurs attirent le plus l'attention lorqu'elles sont utilisées conjointement. Choisissez deux couleurs complémentaires lorque vous désirez créez un effet de choc.

Johannes Itten, né le 11 novembre 1888 et mort le 25 mai 1967 à Zurich, est un peintre suisse.
Il fut l'un des professeurs du Bauhaus de 1919 à 1923. Il prit dès son arrivée une influence majeure sur l'enseignement de cette institution. Il dirigea les enseignements ayant trait à la forme. Il fut contesté en raison de ses méthodes d'enseignement empreintes de la pratique de la religion zoroastriste dont il était un fervent pratiquant...

visage

2011-01-03T04:13:00.001-08:00

Travail des demi-teintes (palette des Blancs)

2010-11-05T06:56:00.001-07:00

Édouard VUILLARD - France (1868–1940)
73.x 92.5 cm - Musée d'Orsay, Paris
Au lit

Monet/Turner

2010-11-03T17:49:00.000-07:00

Turner (1775-1851) tendance romantique pré-impressionniste
Monet (1840-1926) impressionniste

Guitry, Portrait de Monet

2010-10-07T06:37:00.000-07:00

Hachures

2010-09-20T02:33:00.001-07:00

Présentation intéressante des possibilités de travailler les hachures sur un élément simple.

forum des associations à Jaunay-Clan

2010-09-12T10:22:00.000-07:00

Vous êtes venus nombreux vous renseigner et vous inscrire. Merci à vous et à Mardi 14 septembre!
Voir magazine de la commune de Jaunay-Clan "vivre ensemble" n°76/septembre 2010

Forum des associations

2010-09-08T11:14:00.000-07:00

Les associations à l'honneur!

50 associations présenteront leurs activités lors de ce nouveau forum des associations.

Rendez-vous le dimanche 12 septembre 2010 de 10h à 19h au Complexe sportif du bourg. Entrée Libre

Renseignements à la maison du Tourisme et des Associations au 05 49 46 71 70

vernissage à Jaunay-Clan

2010-09-04T08:01:00.000-07:00

Un grand Merci à la Maison de Tourisme de Jaunay-Clan de nous accueillir dans leurs locaux. Un grand merci aux personnes qui se sont déplacées pour cette exposition de travaux d'élèves.
Raynald

Exposition à l'office de tourisme de Jaunay-Clan

2010-09-01T12:52:00.000-07:00

vernissage à 12H samedi 4 septembre 2010

L'Exposition de travaux d'élèves de l'Atelier d'arts plastiques de Jaunay-Clan dure jusqu'au 28 octobre 2010.

http://atelierdartsplastiquesjaunayclan.blogspot.com/

Maison du tourisme, Place de la Fontaine 86136 JAUNAY CLAN
Stéphanie Guichard
Contact mail : sguichard@jaunay-clan.fr

Horaires d'ouverture :
En été : Du mardi au vendredi, de 9h30 à 12h30 et de 14h15 à 18h30 et le samedi matin de 9h30 à 12h30.
En hiver : Du lundi au mercredi, de 9h à 12h et de 14h30 à 17h30 et le jeudi jusqu'à 19h et le vendredi jusqu'à 16h.

Pour tout renseignement, contactez le 05 49 46 71 70

parcours-cheminement

2010-06-24T06:17:00.000-07:00

gouache sur papier peint - format: 1,20 m

tampons

2010-06-24T06:15:00.000-07:00

tamponnage avec gouache sur papier peint-format:+ de 2m

symétrie

2010-06-24T06:14:00.000-07:00

symétrie du visage: revue et gouache sur papier
format: proche du A4

Motifs intérieurs et extérieurs -silhouette

2010-06-24T06:09:00.000-07:00

format: Taille humaine/papier peint et gouache

frottage feuilles

2010-06-24T06:07:00.000-07:00

pastel sur papier-format:60x40cm

monotype

2010-06-23T07:50:00.000-07:00

papier peint

2010-06-23T07:49:00.000-07:00

portrait

2010-06-23T07:48:00.001-07:00

fonctions du visage effacées

2010-06-23T07:47:00.000-07:00

paroi préhistorique

2010-06-23T07:46:00.000-07:00

maison

2010-06-23T07:45:00.000-07:00

libellule

2010-06-23T07:44:00.002-07:00

juxtaposition de couleurs

2010-06-23T07:44:00.001-07:00

pomme

2010-06-23T07:42:00.000-07:00

abstraction lyrique

2010-06-23T07:41:00.000-07:00

jeu surréaliste du cadavre exquis

2010-06-23T07:40:00.000-07:00

gribouillages

2010-06-23T07:39:00.000-07:00

composition bouteilles

2010-06-23T07:37:00.000-07:00

empreintes

2010-06-23T07:35:00.000-07:00

gouache sur papier peint-format:+ d'1m

collage

2010-06-23T07:29:00.000-07:00

collage revues sur papier-format:1x1m

Tête de bébé

2010-06-23T07:26:00.000-07:00

gouache N&B sur papier-format 70x70cm

composition cylindres et bidons de peintures

2010-06-23T07:24:00.000-07:00

Autoportraits de mémoire

2010-06-23T07:15:00.000-07:00

gouache sur papier- format: A4 et 70x70cm